Neoklassisk teater – ofta stavat som teater – hänvisar till en rörelse i mitten av 17-talet till början av 18-talet där teaterkonsten definierades av idéerna och stilarna i antika grekiska och romerska samhällen. Människor på den tiden satte stort fokus på dekor, eller värdigt beteende, och realism, och de trodde att de främsta anledningarna till en pjäs var att ge underhållning och att lära ut en läxa. Storslagna, intrikata kulisser, utarbetad dramatik och strikt omsorg om klassikerna var öronmärken för rörelsen, med de flesta produktioner som också kännetecknades av användningen av fem akter, få föreställningar och en hög improvisationsnivå. Rörelsen började i Frankrike men spred sig snabbt över hela Europa och utanför.
Eraens vägledande princip
Den allmänna filosofin under den nyklassicistiska eran var att de tidigare perioderna hade varit alldeles för slappa och fokuserade överdrivet på känslor och individen. Dåtidens människor ansåg att det var nödvändigt att utöva en viss återhållsamhet som ett resultat, och att koncentrera sig mer på vad varje person kunde bidra med till hela samhället. De letade efter inspiration om hur man gör detta i de antika grekernas och romarnas kulturer, de ursprungliga klassicisterna, och försökte återvända till hur dessa grupper hade hanterat livet och konsten.
De fem reglerna
Nyklassicisternas inställning till överdrift och individen ledde till att de utvecklade en strikt uppsättning riktlinjer för vad som var lämpligt på teatern. Dessa inkluderade fem grundläggande regler: formens renhet, fem akter, sanning eller realism, dekor och syfte. Lekhus avvisade i allmänhet manus eller produktioner som inte uppfyllde dessa krav.
Dramatiker och skådespelare under den nyklassiska perioden erkände officiellt bara två typer av pjäser: komedi och tragedi. De blandade aldrig ihop dessa, och begränsningen ledde till användningen av det nu välkända paret glada och sorgliga masker som symboliserar teaterkonsten. Dessutom styrde ytterligare bestämmelser ämnet och karaktärerna som kunde förekomma i varje spelgenre. Komedier, som antingen var satirer eller sederkomedier, tenderade att fokusera på de lägre leden i samhället, medan tragedier skildrade de komplexa och ödesdigra livet för överklassen och kungligheterna. Att följa dessa genrer var avgörande för en pjäs framgång, och att avvika från dessa klassgränser gick emot klassikernas ordning.
Tanken att en pjäs ska vara strukturerad med exakt fem akter knyter an till de tre principerna, eller enheterna, som Aristoteles utarbetade. Som filosof och analytiker trodde han att bra, realistisk teater krävde enhet av handling, plats och tid, vilket innebar väldigt få subplotter, begränsning av förskjutningar i plats eller geografi och att hålla handlingens tidslinje till högst 24 timmar. Dramatiker som flyttade till olika format mötte vanligtvis hård kritik. Utöver begränsningen i fem akter fick de flesta seriösa produktioner bara en eller en handfull föreställningar, eftersom de inblandade ville undvika att skapa skådespel och att tilltala eliten eller lärda i samhället, vilket resulterade i mycket mindre publik.
Människor som levde under denna period förväntade sig också vanligtvis att skådespelare skulle vara så realistiska som möjligt och att gestalta sina karaktärer precis som de skulle ha betett sig. I andra teaterstilar var skådespelare kända för att vara alltför dramatiska eller agera utanför sin klass eller roll, men nyklassicismen krävde strikt anslutning till klass, social status, temperament och kön. Fantastiska eller övernaturliga element, tillsammans med soliloquies och refränger, var vanligtvis inte inkluderade, eftersom de inte representerade verkliga erfarenheter eller beteende.
Decorum efterlyste manus för att visa rättvisa hur karaktärer porträtterades och bedömdes på scenen. Det innebar också att rättvisa skulle levereras när det var nödvändigt, så det fanns i allmänhet inga överraskande slut i nyklassisk teater i den meningen att karaktärer med sunt moraliskt omdöme alltid belönades och de som hade gjort dåliga eller onda val straffades. Produktioner var slutligen tänkta att uppfylla syftet att lära ut någon moralisk läxa och underhålla.
Scenen, kulisserna och kostymerna
Uppsättningar i neoklassisk teater var dramatiska, utarbetade och rika. De designades för att ge en frodig bakgrund till varje scen och för att hjälpa publiken att förlora sig själv i dramat. Ett annat mål var att ge en realistisk illusion av djup och uppfattning. Scenerna själva designades om under denna period med dramatiska valv för att framhäva scenerna och flera ingångspunkter till scenen. Idén om att förändra landskap och bakgrunder blir mer framträdande, särskilt med uppfinningen av remskivor som gjorde det möjligt för delar att röra sig snabbare över scenen. Ljus och ljudeffekter höjde stämningen och budskapet i varje scen, vilket förstärkte den dramatiska upplevelsen.
Naturligtvis skulle trista plagg ha sett lite malplacerade ut i sammanhanget med dessa nya scenografier och scendesigner. Även om kostymer bibehöll en känsla av realism, var de fortfarande väldigt färgglada och använde ofta spetsar och andra utsmyckningar för att göra dem mer attraktiva. Ibland använde de i pjäsen också masker, i linje med commedia dell’arte-stilen.
improvisation
I många fall skulle dramatiker bara ge en lös kontur av en handling, och skådespelarna förväntades improvisera för att fylla i eventuella luckor. Detta var vanligare med komedier, men det förekom i båda former, eftersom att sätta upp en föreställning ofta var ett spontant beslut som inte alltid gav mycket tid för att skriva eller repetera. I vissa trupper specialiserade folk sig på att spela ett mycket begränsat antal karaktärer så att de kunde fånga personas bättre i farten, och några skådespelare ägnade sig åt att utföra samma roller under hela sin karriär.
Introduktion av kvinnor
I hundratals år var det bara män som fick stå på scenen. Den allmänna uppfattningen var att kvinnor inte skulle vara inblandade i offentliga skådespel eller sätta in i en mer framträdande position, och vissa människor trodde att kvinnor var så upptagna med att tänka på andra saker att de omöjligt kunde komma ihåg och leverera rader ordentligt. Prepubertära pojkar eller män som kunde manipulera sina röster tog kvinnliga roller som ett resultat. Under den nyklassicistiska perioden fick kvinnor dock vara delägare i teatersällskap och delta i produktioner, vilket resulterade i några av de första professionella betalda skådespelerskorna.
Stora dramatiker
Medan det fanns många framgångsrika dramatiker under den neoklassiska rörelsen, uppnådde tre dramatiker en betydande framgång och ryktbarhet. Pierre Cornielle (1606 – 1684) kallas ofta den franska tragedins fader och har skrivit manus i mer än fyra decennier. Jean-Baptiste Poquelin – mer känd som Molière (1622 – 1673) – är känd för sina komedier. Jean Racine (1639 – 1699) var en tragisk älskad för sin förenklade inställning till handling och de språkliga rytmer och effekter han uppnådde. Alla dessa tre män kunde ta element från den klassiska grekiska och romerska litteraturen och omvandla dem till pjäser som höll sig till de nyklassiska normerna för dekor, tid och rum.