Dramatisk poesi, även känd som dramatisk vers eller versdrama, är ett skrivet verk som både berättar en historia och förbinder läsaren med en publik genom känslor eller beteende. En form av berättelse som är nära relaterad till skådespeleri, den utförs vanligtvis fysiskt och kan antingen talas eller sjungas. Normalt använder den ett fast rim- eller metermönster, vilket skiljer det från prosa. Den har utvecklats sedan starten i antikens Grekland, men den överlever fortfarande idag, särskilt i operalibretton. Avsaknaden av strikta riktlinjer gör det något diskutabelt vad som exakt räknas som en dramatisk dikt, men generellt sett är de fyra huvudsakliga accepterade formerna solist, dramatisk monolog, karaktärsskiss och dialog.
historik
I det antika Grekland gick folk på teater för att se livespelningar för underhållning, ungefär som individer gör idag. De som spelade i pjäserna behövde ofta memorera sina delar mycket snabbt, så dramatiker försökte hjälpa dem genom att sätta in texten i ett meter- eller rimmönster som var lättare att komma ihåg. Med tiden började författare, skådespelare och allmänheten att föredra en friare versstil, så vid renässansen bestod pjäserna ofta av en kombination av prosa och rim eller sektioner. Så småningom blev obegränsat tal standarden, men dramatisk poesi överlevde, främst genom operalibretton, då ramsor och ett visst antal stavelser per rad passade väl ihop med musikaliska fraser.
Funktioner
Denna typ av poesi använder tal och handlingar från minst en person för att skildra en scen eller handling. Det är annorlunda än en vanlig berättelse eftersom fokus vanligtvis ligger på hur den individen känslomässigt eller fysiskt kontrollerar eller reagerar på vad som händer – det vill säga det är mer än en enkel förklaring av fakta. Ofta är det från karaktärens synvinkel, vilket ger publiken en uppfattning om hans personlighet, moral, historia och drömmar.
I allmänhet är det mycket lättare att få en fiktiv person till liv när någon fysiskt kan visa vad den karaktären ska känna eller göra. Detta är det huvudsakliga sättet som dramatisk poesi skiljer sig från andra former – till skillnad från garderobspoesi som någon helt enkelt läser av en sida, kräver den handling, som att göra ansiktsuttryck, gester eller interagera med andra människor eller saker i rummet. Skådespeleriet och den här typen av litteratur har en stark koppling av denna anledning, med vissa skådespelare och skådespelerskor som använder det för att öva.
En annan viktig egenskap är att texten vanligtvis följer versform eller rim. Som ett resultat blir det vanligtvis väldigt rytmiskt. Författare tänker ofta på detta när de skapar en ny dramatisk dikt, för att de vill att en person ska kunna leverera raderna bra och för att de vill att publiken ska förstå vad som händer. Att få denna naturlighet kan dock vara svårt, helt enkelt för att vardagligt tal vanligtvis är mer som prosa, så vissa författare tvekar att använda den här stilen.
Blanketter
Dramatisk poesi kan ta sig en av flera former: ensamtal, dramatisk monolog, karaktärsskiss och dialog. Vilken som helst av dessa former kan stå för sig själv, men när en person skriver en pjäs kan han använda mer än en stil, beroende på hur han vill visa utveckling. De bästa skådespelarna och skådespelerskorna kan röra sig sömlöst från en form till en annan, även om vissa i slutändan specialiserar sig.
I en soliloquy talar en karaktär huvudsakligen till sig själv, inte interagerar med någon annan. Det är vanligtvis ett bra sätt att snabbt visa vad han tycker, vill eller ska göra, eftersom det ger insikter i hans sinne. Det kanske bästa exemplet kommer från William Shakespeares tragiska pjäs Hamlet, där Hamlet ifrågasätter om det är bättre att leva eller dö.
En dramatisk monolog är mycket lik en ensamtalet genom att den avslöjar något om den talande karaktären. Den största skillnaden är att skådespelaren här pratar med någon annan i pjäsen, inte bara sig själv. Den här andra personen säger ingenting, men deras närvaro gör ofta talet lite mer trovärdigt. Denna typ av dramatisk poesi dyker vanligtvis upp under kritiska ögonblick i handlingen.
Med en karaktärsskiss är en författares främsta mål att få publiken att känna något för karaktären, snarare än att flytta handlingen. Känslan kan vara sympati, hat eller något däremellan, men resultatet blir oftast att en person som ser pjäsen blir känslomässigt kopplad till det som pågår, vilket skapar en mer minnesvärd teaterupplevelse. Individen som levererar replikerna tjänar huvudrollen som observatör.
Dialog kräver minst två personer, som byter repliker till direkt handling, ger information eller berättar något om sig själva. Fördelen med det här formuläret är att skådespelare kan spela ut varandra och reagera naturligt på vad den andra personen gör så att pjäsen inte verkar alltför inövad. Utmaningen med att använda den i dramatisk poesi är dock att en författare måste upprätthålla en viss likhet mellan textens rytm och meter för båda talare, även om han försöker få var och en att verka ha en separat personlighet. Att ändra mätaren eller rimschemat dramatiskt när varje person pratar kan få scenens övergripande flöde att verka för hackigt eller frånkopplat. Ett exempel i denna grupp är The Shadowy Waters av William Butler Yeats.
Diskussion
Det finns inga fastställda riktlinjer för vad som exakt gör text poetisk, och ibland är gränsen mellan rak prosa och strukturerat skrivande mycket tunn. Det som tekniskt sett kan kallas en dramatisk dikt är därför något upp till tolkning. För att göra saker ännu mer komplexa anpassar folk ofta ”vanliga” dikter till scenen, så när man försöker kategorisera olika verk är vad en person gör med texten lika viktigt som vad som står i själva skriften.