Teater neoklasik — sering dieja sebagai teater — mengacu pada gerakan pada pertengahan abad ke-17 hingga awal abad ke-18 di mana seni teater ditentukan oleh gagasan dan gaya masyarakat Yunani dan Romawi kuno. Orang-orang pada waktu itu menaruh perhatian besar pada kesopanan, atau perilaku yang bermartabat, dan realisme, dan mereka percaya bahwa alasan utama sebuah drama adalah untuk memberikan hiburan dan untuk mengajarkan pelajaran. Pemandangan yang megah dan rumit, drama yang rumit, dan perhatian yang ketat terhadap karya klasik merupakan ciri khas gerakan ini, dengan sebagian besar produksi juga dicirikan melalui penggunaan lima babak, sedikit pertunjukan, dan improvisasi tingkat tinggi. Gerakan ini dimulai di Prancis tetapi dengan cepat menyebar ke seluruh Eropa dan sekitarnya.
Prinsip Panduan Era
Filosofi umum selama era Neoklasik adalah bahwa periode sebelumnya terlalu longgar, terlalu fokus pada emosi dan individu. Orang-orang pada waktu itu percaya bahwa perlu untuk menahan diri sebagai hasilnya, dan untuk lebih berkonsentrasi pada apa yang dapat disumbangkan setiap orang kepada seluruh masyarakat. Mereka mencari inspirasi tentang bagaimana melakukan ini dalam budaya Yunani dan Romawi kuno, para klasikis asli, dan berusaha untuk kembali ke cara kelompok-kelompok itu menangani kehidupan dan seni.
Lima Aturan
Sikap Neoklasik terhadap kelebihan dan individu membuat mereka mengembangkan seperangkat pedoman yang ketat untuk apa yang pantas di teater. Ini termasuk lima aturan dasar: kemurnian bentuk, lima tindakan, verisimilitude atau realisme, kesopanan dan tujuan. Rumah bermain umumnya menolak naskah atau produksi yang tidak memenuhi persyaratan ini.
Penulis naskah dan aktor pada periode Neoklasik secara resmi hanya mengenal dua jenis drama: komedi dan tragedi. Mereka tidak pernah mencampur ini bersama-sama, dan pembatasan menyebabkan penggunaan sepasang topeng bahagia dan sedih yang sekarang terkenal yang melambangkan seni teater. Selanjutnya, ketentuan tambahan mengatur materi pelajaran dan karakter yang bisa muncul di setiap genre permainan. Komedi, yang satir atau komedi sopan santun, cenderung berfokus pada masyarakat kelas bawah, sementara tragedi menggambarkan kehidupan kelas atas dan bangsawan yang kompleks dan menentukan. Kepatuhan terhadap genre-genre ini sangat penting untuk keberhasilan sebuah drama, dan menyimpang dari batas-batas kelas ini bertentangan dengan tatanan klasik.
Gagasan bahwa sebuah drama harus disusun dengan tepat lima babak terkait dengan tiga prinsip, atau kesatuan, yang dirancang oleh Aristoteles. Sebagai seorang filsuf dan analis, ia percaya bahwa teater yang baik dan realistis membutuhkan kesatuan tindakan, tempat dan waktu, yang berarti sangat sedikit subplot, pembatasan pergeseran lokasi atau geografi dan menjaga waktu plot tidak lebih dari 24 jam. Penulis naskah yang pindah ke format yang berbeda biasanya mendapat kritik keras. Selain pembatasan lima babak, produksi yang paling serius diberikan hanya satu atau beberapa pertunjukan, karena mereka yang terlibat ingin menghindari menciptakan tontonan dan untuk menarik elit atau terpelajar dalam masyarakat, yang mengakibatkan penonton jauh lebih kecil.
Orang-orang yang hidup pada periode ini juga biasanya mengharapkan para aktor untuk bersikap serealistis mungkin dan memerankan karakter mereka persis seperti yang seharusnya mereka lakukan. Dalam gaya teater lainnya, aktor dikenal terlalu dramatis atau bertindak di luar kelas atau peran mereka, tetapi neoklasikisme menyerukan kepatuhan yang ketat terhadap kelas, status sosial, temperamen, dan gender. Unsur-unsur fantastis atau supernatural, bersama dengan solilokui dan paduan suara, biasanya tidak disertakan, karena tidak mewakili pengalaman atau perilaku dunia nyata.
Kesopanan menyerukan skrip untuk menunjukkan keadilan dalam cara karakter digambarkan dan dinilai di atas panggung. Ini juga berarti bahwa keadilan akan diberikan bila diperlukan, sehingga pada umumnya tidak ada akhir yang mengejutkan di teater Neoklasik dalam arti bahwa karakter dengan penilaian moral yang baik selalu dihargai, dan mereka yang telah membuat pilihan yang buruk atau jahat dihukum. Produksi pada akhirnya seharusnya memenuhi tujuan mengajarkan beberapa pelajaran moral dan menghibur.
Panggung, Set dan Kostum
Set di teater Neoklasik yang dramatis, rumit dan kaya. Mereka dirancang untuk memberikan latar belakang yang subur untuk setiap adegan dan untuk membantu penonton tenggelam dalam drama. Tujuan lainnya adalah untuk memberikan ilusi kedalaman dan persepsi yang realistis. Panggung sendiri didesain ulang selama periode ini dengan lengkungan dramatis untuk menyorot pemandangan dan beberapa titik masuk ke panggung. Gagasan untuk mengubah pemandangan dan latar belakang menjadi lebih menonjol, terutama dengan penemuan sistem katrol yang memungkinkan bagian-bagian bergerak lebih cepat melintasi panggung. Pencahayaan dan efek suara meningkatkan suasana hati dan pesan dari setiap adegan, meningkatkan pengalaman dramatis.
Secara alami, pakaian yang menjemukan akan terlihat agak tidak pada tempatnya dalam konteks set dan desain panggung baru ini. Meskipun kostum memang mempertahankan rasa realisme, mereka masih sangat berwarna, sering menggunakan renda dan hiasan lain untuk membuatnya lebih menarik. Terkadang, mereka yang bermain juga menggunakan topeng, mengikuti gaya commedia dell’arte.
improvisasi
Dalam banyak kasus, penulis drama hanya akan memberikan garis besar plot yang longgar, dan para aktor diharapkan untuk berimprovisasi untuk mengisi celah apa pun. Ini lebih umum dengan komedi, tetapi itu terjadi dalam kedua bentuk, karena menampilkan pertunjukan sering kali merupakan keputusan spontan yang tidak selalu memberikan banyak waktu untuk menulis atau berlatih. Di beberapa grup, orang-orang berspesialisasi dalam memainkan jumlah karakter yang sangat terbatas sehingga mereka dapat menangkap persona dengan lebih baik dengan cepat, dan beberapa aktor mengabdikan diri mereka untuk melakukan peran yang sama sepanjang karier mereka.
Pengenalan Wanita
Selama ratusan tahun, hanya laki-laki yang diizinkan berada di atas panggung. Pandangan umum adalah bahwa perempuan tidak boleh terlibat dalam tontonan publik atau ditempatkan pada posisi yang lebih menonjol, dan beberapa orang percaya bahwa perempuan begitu sibuk memikirkan hal-hal lain sehingga mereka tidak mungkin mengingat dan menyampaikan dialog dengan baik. Anak laki-laki atau laki-laki praremaja yang bisa memanipulasi suara mereka mengambil peran perempuan sebagai hasilnya. Namun, selama periode Neoklasik, wanita diizinkan menjadi pemegang saham perusahaan teater dan berpartisipasi dalam produksi, menghasilkan beberapa aktris bayaran profesional pertama.
Penulis Drama Utama
Meskipun ada banyak dramawan sukses selama gerakan Neoklasik, tiga penulis drama mencapai sejumlah besar kesuksesan dan ketenaran. Pierre Cornielle (1606 – 1684) sering disebut sebagai bapak tragedi Prancis, menulis naskah selama lebih dari empat dekade. Jean-Baptiste Poquelin — lebih dikenal sebagai Molière (1622 – 1673) — dikenal karena komedi-komedinya. Jean Racine (1639 – 1699) adalah seorang tragedi yang dicintai karena pendekatannya yang sederhana terhadap tindakan serta ritme dan efek linguistik yang ia capai. Ketiga orang ini mampu mengambil unsur-unsur dari sastra Yunani dan Romawi klasik dan mengubahnya menjadi drama yang menganut standar kesopanan, waktu dan ruang Neoklasik.